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進入【藝週末．藝週推薦展覽】觀看的方式─「We are Me──我（們）到此一遊」展
基隆美術館寬敞，適合親朋好友一起看展，別忘拿取精緻的導覽手冊。
文．攝影／蔡佩盈
基隆美術館自2024年4月開館，交通便利，空間寬敞，策展精采，對基隆市民與藝術家都是一大福音。本期國際大展「We are Me──我（們）到此一遊」由藝術家余政達創造的人物法咪咪（FAMEME）策展，邀集10位國內外藝術家，包含卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）和瑞安．甘德（Ryan Gander）等，對視覺與影像資訊時代提出種種問題與思考。1月24日下午2點有策展人導覽，展期即日起至2月10日。
藝術評論家約翰．伯格曾說：「我們看見的，永遠不是事物的本身，而是事物與我們之間的關係。」在觀賞當代展覽的過程中產生困惑，不單是崇拜滿足，而是透過作品與腦中設想的藝術家對話。
「We are Me──我（們）到此一遊」不僅是一場集結國際當代名家的視覺盛宴，更是一次對「當代觀看行為」的集體檢視。策展人余政達透過法咪咪（FAMEME），捕捉當代社會中影像生產的在場與不在場──「到此一遊」不再只是空間位移的證明，而是數位足跡與現實存在的並置。
10位藝術家分別從不同的切入點拆解視覺資訊的結構：瑞安．甘德與那溫．努通（Nawin Nuthong）透過童趣的框架，展現日常的遊戲性；卡蜜兒．安侯與央兔（YANG02）則從速度與資訊超載的維度，對現代文明的「進步」提出哲學性的反抗；鄭先喻與山內祥太（Shota Yamauchi）的作品，更進一步將討論延伸至數位監控與生物合成的邊界，質疑在演算法與人工智慧介入後，所謂「We」（集體）和「Me」（個體）的虛實界線。
當代藝術的專業性之所以時常遭受挑戰，源於其刻意消解了傳統的美學標準與技巧門檻。參展藝術家陳松志的作品，展現藝術的意義並不全然存在於創作者完成那刻，而在於與現實碰撞、甚至是被誤讀的過程之中。灰塵的誤抹或亮粉的消逝，實則是藝術與日常意外摩擦出的火花，這種「不穩定性」正是當代藝術對抗平庸現實的雙面刃。
這場展覽將詮釋權交給觀者。如同約翰．伯格所言，觀看是一種介入。在美術館這個場域中，我們不再只是觀看者，藝術成為引發思辨的自問自答──當觀眾在困惑中嘗試提出解釋時，正是建立「自我」的開始。
3大主題一窺展覽堂奧
「We are Me──我（們）到此一遊」未以主題或作者區分展間，本文從藝術家作品風格，歸納3大主題：「童趣發想」、「社會議題」、「台灣視覺語言」加以介紹。
童趣發想 童心的超能力
日常物件在大眾眼中，所看見的是其用途或效能，展覽中可見童趣洋溢的英國藝術家瑞安．甘德與泰國藝術家那溫．努通，皆以日常物件為發想，展現「小孩子玩遊戲般」的趣味展品。
瑞安．甘德大有來頭，是國際雙年展常客。此次在基隆美術館的展間利用多面鏡子結合〈封閉系統〉，作品視覺效果相當驚人，透過鏡子讓展品延伸，如同走進童趣的奇想世界。數以萬計的回收木與塑膠玩具，排列整齊卻鋪天蓋地，蹲下細看，有麻將、恐龍、人偶、積木、昆蟲……靈感源於藝術家自閉症兒子的日常行為──反覆將玩具依序排列的世界。〈點子機器〉鑲嵌在展間的鏡中，金屬色扁平外觀不易察覺，按下按鈕可獲得「點子紙條」，紙條印出如「Ryan with a handful of snow and a handful of ash」（一手白雪，一手灰燼的瑞安）或是「Letter or map torn up and taped up together then framed」（撕碎重組並裱框的信件或地圖）等文句，提供詩意靈感。
瑞安．甘德〈本能的、非生產性的與自由的（出發）〉與〈封閉系統〉（右）。
瑞安．甘德〈點子機器〉按下按鈕可獲得紙條。
那溫．努通在基隆創造的新作〈4-6位紙鈔上的孩子（8件）〉取材自新台幣千元鈔票4位小孩與2位隱藏版小孩，其一件展示牆面有19個或大或小的螢幕，每個影像乍看是獨立作品，其實眾畫面暗藏巧思，具有童趣的關聯性。展牆中間看地球儀的小孩會輪流到不同螢幕探險並回到原處，小孩們溜下長尺、與星星共舞，如同察覺孩子們自創的遊戲規則。展品或回應正在發生許多事件的當代社會，每個地方都如同一個視窗，既獨立又各有關係。
那溫．努通〈4-6位紙鈔上的孩子（8件）〉橘衣小孩正在冒險。
社會議題 爆炸失速時代的回應
現今資訊爆炸時代，因網路發達，「知無涯」變本加厲成「資訊焦慮、錯失恐懼症」等不健康狀態，法國藝術家卡蜜兒．安侯觀察這股風潮，以〈極度疲憊〉對應此處境。在追求快速發展的時代，數位監控或科技技術似乎都尚未被規範，放慢速度或許是種反思的抵抗，台灣藝術家鄭先喻、日本藝術家山內祥太與央兔所展現的思考，值得觀眾細細思索。
卡蜜兒．安侯的成名作〈極度疲憊〉相當值得一看。此作重組史密森學會典藏與網路素材，大量視窗與資訊碎片組成的影像，朗誦複沓史詩。名為「極度疲憊」可說神來之筆──搭配影片不常換氣、無法喘息的獨白，揭示現今知識量超載的程度，如何影響觀眾的感知或學習，法式嘲諷一絕。
卡蜜兒．安侯〈極度疲憊〉影像中可見大量視窗、資訊與史詩獨白。
鄭先喻〈這可能是你〉突顯數位監控的不安，在公共空間展示眾多個資，如同觀眾的私密資料可能正在網路中的公共領域流通販賣；同時也展現當前科技可生成具信服力的虛構身分，呼應2024年使用深偽技術的換臉事件，可任意捏造虛實的技術不容漠視。另一展品是〈Around 7 Meters is More Fun〉，需要由一位操作者與一位觀眾共同完成。
操作〈Around 7 Meters is More Fun〉只有另一端的觀看者才能看到畫面。
山內祥太〈安魂曲〉改編自布萊梅童話。日本藝術家似有點石成金的魔力，用FaceRig模擬臉部動作扮演動物，摻雜現實的拍攝空間，讓觀眾看見創作的發源處如此樸實無華。攝像房間從四間集中到一間，多個視角展現雞貓狗驢（龍）合體而成的怪獸，如布萊梅童話裡的動物們以假亂真。〈成為我們？〉結合數個影像片段，每一段影像中間皆以忽明忽暗的畫面換場，像是在發明某種未知生物。由AI創作的畫面中有許多非自然的生物或元素。螢幕上刻意黏貼豹紋守宮娃娃，以及投影燈架上的台灣藍雀等鳥類布偶，它們的觀看讓科技的冰冷風格，多一分趣味與自然寓意。
山內祥太〈安魂曲〉揭示藝術虛實的雙重狀態。
〈成為我們？〉的投影燈上有台灣藍鵲等鳥類布偶。
央兔〈慢速迷你4DW─—逃離現代價值觀〉令人想起捷克作家米蘭．昆德拉如是說：「速度是技術革命獻給人類的一種迷醉方式。」緩慢令人不耐，但求快是否錯過一些風景，甚至在跟上時代的過程中失速？
央兔〈慢速迷你4DW——逃離現代價值觀〉反其道而行，展現緩速的藝術。
台灣視覺語言 台灣當代藝術的展現
在此次展覽中，4位台灣藝術家展現當代藝術的視覺語言，運用不同媒材創造某種時代風格，或是轉換為自然景觀，又或是展現時間流變。例如陳怡潔〈連合島漫遊〉等作品，將經典卡通漫畫如《航海王》、《海綿寶寶》、《裂嘴貓》與《小甜甜》等角色的配色比例，轉換為彩色圓靶，展現其視覺藝術語彙。
由左至右依序為陳怡潔〈裂嘴貓的極速飛行〉、〈連合島漫遊〉和〈小甜甜的極速飛行〉。
謝佑承螢光系列代表作〈大幕〉，以巨型珠簾為展品，每顆珠面覆以粉綠螢光漆料，耳邊傳來〈白露〉的雨聲，紫光展間帶有雨瀑般迷幻視覺效果。
謝佑承〈大幕〉雨瀑般的迷幻效果。
吳美琪的作品風格強烈、鮮豔華麗，以亮鑽與高飽和度服飾，展現混亂懷舊的B級感。
由於當代藝術的技巧變化，有別於欣賞古典畫作，或可嘗試不同的觀展方法學，比方說向藝術品自問自答。當代作品的開放性是雙面刃，讓觀者對話的同時，也容易讓藝術的專業性受到批評與挑戰。陳松志〈倒裝的語句-16〉於累積40年灰塵的鏡面塗寫，意外遭志工擦拭成乾淨鏡子，陳松志表示，「事件本身顯示了藝術作品做為展覽現場的中介，創作與現實的交集，同時在誤解與觸碰之中持續生成新的寓意。」令人不禁想起毛里齊奧．卡特蘭（Maurizio Cattelan）〈喜劇演員〉的香蕉展品遭觀眾食用的爭議事件。另一展品〈無題-KEE〉的亮粉隨時間消失，雖充分展現時間帶來的變化，但當觀眾不知作品原貌時，荒謬感難以言喻──亮粉寥寥無幾的黑色地毯，原來是展品嗎？觀賞的高門檻，會不會讓作品壽命如曇花一現呢？
陳松志〈倒裝的語句-16〉（左上）與〈無題-KEE〉（下）展現時間變化。
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