邱子晏《偽飛行場》。

文、攝影／記者董柏廷

由台北市立美術館（北美館）主辦的第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」，於2025年11月1日揭幕，展期至3月29日。本屆展覽由德國柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特（Sam Bardaouil and Till Fellrath）共同策畫，匯集來自全球35個城市、52位藝術家的作品。展覽規模橫跨影像、裝置、聲音、表演與現地製作，並特別將北美館豐富的館藏納入策展結構之中，形塑出一場跨世代、跨地域的觀看饗宴。

雅浸．金朝恩〈微創：侵碎之章〉。

本屆策展核心定錨於「思慕」（Longing）。策展團隊多次強調，這不是一場訴諸懷舊之情的平庸追尋，而是在分裂時代中對真相、正義與歸屬的集體渴望。為了對接台灣在地情感，策展人更提出了3個台灣文化物件做為展覽精神的啟發：侯孝賢《戲夢人生》中的戲偶、陳映真《我的弟弟康雄》中的日記，以及吳明益《單車失竊記》中的單車。在策展人的眼中，這些看似微小的日常事物，承載著關於失落、渴望與未竟狀態的情感結構，亦是將個人經驗在歷史與現實縫隙中，轉化為集體感受的入口。

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走進展場，觀眾首先感受到的是一種被切分，卻又彼此呼應的感官密集體驗。聲音在中庭迴盪，光線穿過網格與結構灑落，不同展廳像一座座被串連起來的段落，展覽並不創造觀眾「循線」的空間，更鼓勵停留、回望與游移。

拉納．貝古姆的〈No.1511網格〉。

空間漫遊

若先撇開生硬的論述不談，展覽在視覺與感官的編排上，帶來的飽滿性無疑是成功的，甚至是一場充滿驚喜的「超大花園遊蹤」。台灣藝術家邱子晏為本屆雙年展委託製作的《偽飛行場》，以殖民時期用以欺敵的假機場為原型，結合裝置與錄像，讓歷史不再只是被觀看的結果，而是一種被反覆製造、重演的過程。紙板與鐵架構成的飛機，看似輕巧，卻承載著沉重的歷史虛構性，提醒觀眾影像與敘事如何形塑我們對過去的理解。邱子晏透過大型裝置探究圖像和故事如何塑造認知，其創作靈感汲取於他苗栗的客家血統，反映藝術家與這座島嶼破碎歷史及政治景觀之間的緊密關係。

納里．沃德〈音聲系統〉。

在展廳另一處，陳進於1934年創作的膠彩畫〈野邊〉，以優雅的身姿與柔和動作，勾勒出 1930年代對身分與自由的靜默渴望。當這件經典典藏與當代國際創作並置，讓台灣歷史在當代藝術的場景中產生了奇妙的折射。同樣具備厚重歷史感的還有張照堂1978年拍攝的〈李天祿〉，影像讓操偶者與戲偶的面孔並置，影像不張揚，卻深具時間密度。這張照片呼應侯孝賢的《戲夢人生》，讓掌中戲不只是文化符號，而成為穿越不同政權與時代的在地聲音。

聲音作品則有台灣藝術家王湘靈的《沒有顯影的歌II》，以斷續、若有似無的聲響在中庭迴盪。作品受到華格納歌劇《帕西法爾》啟發，將歌劇片段與街頭聲響融合。雖然無明確敘事，卻讓「缺席」本身成為經驗的一部分，如同記憶總是在靠近時變得模糊，觀眾在不經意之間，意識到自己正被聲音牽引，進入深度反思的空間。

李受俓「轉譯瓷瓶」系列作品。

物質的隱喻

海地裔藝術家加埃爾．肖瓦內的〈幸運餅乾〉由數千件手工製作的陶土餅乾組成，部分內藏種子或訊息。掰開與否，成為觀看的選擇。作品深入探討價值、文化身分與隱藏歷史，讓「幸運」這個看似輕盈的詞，帶上了遲疑與重量，向隱而不顯的勞動致敬。

加埃爾．肖瓦內的〈幸運餅乾〉（局部）。

空間尺度上最具存在感的，莫過於美國藝術家納里．沃德以大理石打造的〈音聲系統〉。這件作品向音樂及其凝聚人心的力量致敬，靈感源自牙買加的「組裝音響」文化。沃德選用在高壓下生成的大理石，象徵音樂如何從掙扎與困境中淬鍊成形，音樂未曾響起，卻讓人感受到凝聚與抵抗曾經存在的力量。

歐馬爾．米斯馬爾〈我的雙眼仍在流淚〉。

黎巴嫩藝術家歐馬爾．米斯馬爾的〈我的雙眼仍在流淚〉，以一束無香的人造花做為核心意象。作品靈感源自1870年出版的《巴勒斯坦之花》，花朵精緻、完美，卻失去生命氣息。這是一則關於凋零記憶的反思，視覺華美卻隱含深層的不安。黎巴嫩藝術家莫娜．哈透姆的〈小室〉則以鋼筋網格圍合出多個籠狀空間，內部安置著暗紅色、形似身體部位的脆弱玻璃。冷硬結構與脆弱材質彼此對峙，探討禁錮及欲想自由的主題，在觀者身體尺度中喚起對安全與受限狀態的感知。

同樣以身體為出發點，塞爾維亞藝術家伊凡娜．巴希奇的〈氣動激情〉呈現向天綻放的蓮花形態。機械錘擊隨著藝術家的呼吸節奏反覆敲擊石材，聲響被收音放大，身體的內在節律被轉譯為外在的耗損。這件作品源自藝術家童年對戰爭、暴力與國家分裂的記憶，探討人類對合而為一的渴望。而韓國藝術家雅浸．金朝恩的〈微創：侵碎之章〉則以透明絲綢、縫線構成近乎靜止的畫面。她將繪畫封存在壓克力玻璃間，使其彷彿被「凝結」於時空之中，細訴創傷、力量與復原。

酷兒記憶與碎裂修補

陳柏豪〈青少年〉（左）、〈靠山〉（右）。

台灣藝術家陳柏豪的繪畫作品，則將思慕轉向更為個人的敘事。畫作交織著關於遷徙、家庭與在台酷兒身分的故事，將《孽子》的封面與個人史融合，展現政治與情感在畫布上的緩慢交織。這種對個人敘事的挖掘，在韓國藝術家李受俓的「轉譯瓷瓶」系列中得到了另一種呼應。她以破碎與修補做為核心語言，將因瑕疵而被棄置的碎片重組，並以金箔填補裂痕，缺陷不再被掩蓋，反而成為作品的視覺焦點，反映出複製品企盼成為真品的無盡夙願。

卓永俊4部錄像作品〈祝你有個美好週日〉、〈愛你潔淨雙腳的週四〉、〈一見鍾情的週一〉、〈學會愛的上週五〉。

韓國藝術家卓永俊的錄像作品，以多頻道形式呈現。舞者在教堂、森林、夜店等場域中移動，身體於在場與缺席之間不斷切換。影像同步播放，音軌交織連結，讓情感如同日常時間般循環往復。在眾多充滿濃厚情感與歷史重量的作品之間，英國藝術家拉納．貝古姆的〈No.1511網格〉提供了一個抽離的觀看位置。作品由多彩網格組成，不訴諸具象，而是隨著觀者移動產生微妙的視覺節律，讓「觀看本身」成為一種正在發生的事件。

符號與脈絡之間的斷層

托比亞斯．茲耶羅尼以系列攝影聚焦拉脫維亞首都里加的酷兒青年。

綜合觀之，多國並置的策展策略確實帶來視覺上的新鮮感，但對熟悉台灣文化脈絡的觀眾而言，不免感到失重。一方面確實感受到選件精緻且能為典藏折射新義；另一方面，又感覺策展「概念化取樣」而非「思想性轉譯」。當侯孝賢、陳映真與吳明益的「尪仔、日記、單車」被簡化成象徵性符號時，策展似乎並未真正打開它們所對應的精神地層，導致台灣創作者的作品或展覽概念在眾多國際展品當中形同邊緣化。這種「失重感」或許來自於一種主客易位的尷尬：在自家的地平線上，聽見了一段由外而內、精緻卻略顯抽象的低吟。當作品之間的關係高度倚賴策展論述等文本指涉，而非在空間或感知中自然生成；觀眾被引導理解，而非引導思考，不免引人思索：美術館如何在引進國際策展語法之際，依然保有一份能與土地深層對話、不被抽象化消融的主體力量？

儘管存在轉譯的風險，今年雙年展的價值，或許在於除了再現，也是集結。若在分歧的時代，藝術的功能之一是貼近組織記憶與促成聚合，那麼，「地平線上的低吟」確實抵達某個核心承諾：它讓那些被權力忽略、在日常中沉默的低吟，在地平線上被聽見。

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