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進入【藝週末．藝週推薦展覽】永恆的女性─北美館典藏展「飛地：一部自傳的誕生」
北美館「飛地」為館內策劃的典藏展，聚焦戰後的女性藝術家創作，圖為參展的台灣藝術家，以及家屬代表和館長王俊傑合影。（北美館提供）
文．攝影／吳垠慧
英國作家維吉尼亞．吳爾芙（Virginia Woolf, 1882-1941）在自傳色彩濃厚的長篇小說《燈塔行》當中，以獨特的意識流技法，探討在瞬息萬變的時代社會，人們面對婚姻、感知、記憶和時間消逝等課題的思維轉變，字裡行間亦充滿女性意識的覺醒與關懷。台北市立美術館策劃的典藏展「飛地：一部自傳的誕生」，就援引這本小說的3個篇章：〈窗〉、〈歲月流逝〉和〈燈塔〉為展覽的3個子題架構，呈現女性藝術家創作的多元展現。展期即日起至12月15日。
洪美玲的「尋道」系列，以幾何圖像詮釋東方文人畫的山幽意境，圖為〈尋道100〉（2003）。（北美館提供）
「創作」是為飛地
近些年，女性／性別儼然是藝術圈的關鍵字，除了相關議題的展覽策劃，還有自典藏中再挖掘與深究。北美館從近6000件典藏品當中，挑選28位國內外藝術家的112組／件作品和文獻於「飛地」展出，其中24位是台灣藝術家，4位外國藝術家，聚焦1950年代起嶄露頭角的前輩藝術家，及至近年崛起的新銳創作者，從她們的水墨、繪畫、雕塑、空間裝置和影像等創作，探見逾半世紀以來，女性藝術家如何在時代環境和私空間領域的侷限中，為自己開闢一方「飛地」，在其間或遙遊、內觀，或觀照社會現實。
「飛地」（enclave）指的是一個國家境內存在不受其主權管轄的土地，「enclave」源自拉丁文，直譯為「上鎖的空間」，北美館策展人蕭琳蓁藉此比喻藝術家獨立於外部環境空間，在混亂的現實中不受干擾，進入專注於自我的創作狀態，「創作」即女性藝術家的「飛地」。這不禁令人聯想到吳爾芙另一部被奉為女性主義文學經典《自己的房間》當中提到：女性若想寫作，一定要有錢和自己的房間。這樣的觀點同樣能延伸至女性藝術家的處境。
侯怡亭的「歷史刺繡人」系列（2015-2016），以刺繡覆蓋歷史照片的局部，省視殖民教育體系對女性身心的規訓狀態。
望向家與世界之「窗」
「窗」是從家中想望世界的起點，也是外界窺探屋內世界的途徑，第1展區透過「窗」觀看居家裡外的世界。首先映入眼簾的是韓國女性主義藝術先驅尹錫男（1939-）的空間裝置〈粉紅色的房間 III〉，滿地的玻璃珠是汗水、也是淚水，巴洛克風格的沙發比喻富裕的物質生活，坐墊卻有長刺貫穿。尹錫男40歲毅然前往紐約學習藝術，此前，她是與婆家同住的全職家庭主婦，深刻理解女性的生命處境，她的創作多源於切身體驗。
台北市立美術館「飛地」展出館藏鄭瓊娟2011年的油畫〈空〉。（北美館提供）
身兼為人子女、妻子、母親等多重身分，女性藝術家想保有創作並非易事，李錦繡（1953-2003）的經驗可見一斑，她1983年前往巴黎進修，1986年學成返台，從事教學、照料家中長幼、操持家務並協助藝術家丈夫創作。在1993年畫作〈任遨遊〉中，以自己的小板凳為中心視點，勾勒出居家空間，也以此標註自身的存在；2001年擁有自己的工作室後，儘管也得知罹癌末期，在〈容合．相待．彩虹曲〉（2002）畫中還是以舒適明亮的色彩表現這個屬於「自己的空間」。
李錦繡在〈容合．相待．彩虹曲〉（2002）畫出擁有自己工作室的愉悅感。
懷孕經驗是女性藝術家專有的主題。長期研究和關切女性議題的謝鴻均（1961-），作品〈游〉（2002）描繪蛹狀的生命體漂浮於淡黃透明的羊水中，表現妊娠期間的母體經驗。「母親」之於王淑鈴（1963-），不只是親密的家人，也是思鄉的借喻，旅居倫敦20多年的她，把對過世母親和家鄉的無盡思念，投注在逾6米長的巨幅畫作〈吟唱的河流〉（2009-2011）當中，陪伴她成長的大甲溪宛如記憶長河，常駐心底。2023年，王淑鈴為台灣第1位獲頒美國國務院「使館藝術計畫」獎章的藝術家。
台北市立美術館「飛地」展場一隅，左為王淑鈴逾6米長的畫作〈吟唱的河流〉（2009-2011），右為李錦繡的畫作與文件展示。（北美館提供）
北美館「飛地」為館內策劃的典藏展，聚焦戰後的女性藝術家創作，圖為參展的台灣藝術家，以及家屬代表和館長王俊傑合影。（北美館提供）
「歲月流逝」下的內在省視
接著「歲月流逝」展出的作品著重內省與主觀經驗，王雅慧（1973-2023）的錄像裝置〈日光下的靜物〉（2005）可為代表，她以數位手法傳達光影和空間邊界的幽微變化，每個難以名狀的瞬間都像一幅靜物畫。
謝鴻均的畫作〈游〉（2002）表現懷孕的生命體驗。（北美館提供）
洪美玲（1940-）40歲時放棄教職鐵飯碗，前往美國舊金山藝術學院攻讀學士和碩士，這次展出的「尋道」系列始於1983年，以幾何符號詮釋東方文人畫中的小徑、山巒等元素，另加入拼圖形狀的板塊，展露新意與童趣。
王雅慧的錄像裝置〈日光下的靜物〉（2005）以具有繪畫性的動態影像營造內觀的寧靜力量，每個畫面都像一幅靜物畫。
陳幸婉（1951-2004）、薛保瑕（1956-）、陳慧嶠（1964-）等人的創作始於1980年代，都在繪畫基礎上展開複合媒材的探索。陳幸婉在〈月亮的聲音I, II〉（1991）結合水墨、油彩、布料、木槌等材質，營造出感性的語彙；長期致力於抽象繪畫藝術的薛保瑕，在〈核心與邊緣〉（1995）結合抽象畫與真實的漁網，形成捕捉、牢籠的意象；陳慧嶠利用針線創造出理性簡約、兼具感性詩意的空間裝置，〈默照〉（1992）以上千根針與繡線固定棉絮，〈似停非停〉（1997）的玻璃盒內擠壓難以計數、象徵自由幻想的白羽毛。
陳幸婉的複合媒材〈月亮的聲音I, II〉（1991）結合水墨、油彩、布料、木槌等不同材質，營造出感性的語彙。
薛保瑕2009年於一場手術後對生命有豁達的體悟，在〈起始〉（2010）畫中徒手畫出9個圓，象徵長長久久的創作期許。（北美館提供）
「燈塔」的象徵與追尋
「燈塔」具有引航、追尋等意涵，以及對環境的關懷與反思，這個展區以吳瑪悧（1957-）的影像裝置〈墓誌銘〉（1997）為開場，這件作品直指二二八事件中被缺席／遺忘的女性。薄茵萍（1943-）為了生計曾在美國的車衣廠、木框廠打工，也開過雜貨店，其創作表達強烈的社會關懷，版畫〈希聲之四〉（1989）由9幅如電影分鏡般的畫面構成，表現出群眾的怒吼；蕭麗虹（1946-2021）的空間裝置〈老梯子〉（1991）可見一團泥塑人偶爭先恐後地攀上階級的長梯，可頂端「風景」卻是空無一物，蕭麗虹身兼收藏家、竹圍工作室創辦人等身分，藉由這次展覽再喚起對其陶藝創作的認識。
侯淑姿（1962-2023）的〈青春編織曲（三）〉（1997）和侯怡亭（1979-）的「歷史刺繡人」系列（2015）關注女性勞動在社會經濟體系下錯綜複雜的關係。侯淑姿拍攝新莊紡織廠女工，為台灣打造經濟奇蹟後，因全球化競爭面臨轉業或失業的困境；侯怡亭引用日治時期女子學校的歷史照片，在局部覆蓋刺繡，探討透過刺繡、插花、琴藝等課程，亦是對女性身體進行規訓。
旅居歐洲的李芳枝，在生活刻苦下猶未放棄繪畫，2023年家屬捐贈作品及文獻給北美館，大眾得以有重新認識李芳枝的機會。
儘管不同世代的女性藝術家創作面貌殊異，或呈現內觀的沙河世界，或回應時代變遷的社會現實，同樣都是透過藝術探索生命和感性詮釋，誠如巴西藝術家蕾琴娜．希維拉（Regina Silveira, 1939-）的空間裝置〈入侵系列：冒險故事〉，數以萬計的黑腳印從展場內蔓延至外部空間，象徵女性走出「房間」持續不懈地追尋與探索。
台灣戰後第一代女性藝術家 作品捐贈展出
近年，北美館陸續獲得台灣前輩藝術家的作品和文獻捐贈，館長王俊傑表示，這當中就包含戰後第1代女畫家鄭瓊娟（1931-2024）、李芳枝（1933-2020）等人，經過初步整理，部分作品首度在「飛地」露出。
出身新竹醫生世家的鄭瓊娟，1957年參展首屆「五月畫展」後，即與素昧平生的丈夫結婚，移居東京，望能繼續深造，可惜事與願違，婚姻的牽制讓她中斷創作近10年，直到結識小孩的美術老師、抽象藝術家勝田寬一，才又開啟繪畫的機會。鄭瓊娟過世前2年，就將畢生重要作品捐贈北美館，這次展出早期的寫實畫作到2000年稱為「心象畫」的抽象畫，主要探討潛意識、禪學等內在思維。
李芳枝1956年和劉國松等校友在台灣省立師範學院（今國立台灣師範大學）舉辦「四人聯合畫展」，翌年，加上陳景容、鄭瓊娟共6人，一起在台北中山堂舉辦首屆「五月畫展」，現代藝術團體「五月畫會」也於此誕生。隨後，李芳枝考取獎學金赴巴黎深造，1962年和同為畫家的丈夫結婚生子並移居瑞士，即使生活刻苦猶未放棄繪畫，常以寫生描繪自然。這次選取不同階段的畫作展出，大眾得以領略李芳枝的藝術精華。
北美館「飛地」展出黃潤色不同階段的作品（圖中、右作品），包括50歲她陪同長子赴日求學，自己也申請進入東京設計學院學習染織，此後創作跳脫以往，充滿生命的動能。
和鄭、李兩位同時期的黃潤色（1937-2013）則是「東方畫會」一員，「東方」和「五月」並列台灣現代藝術先鋒團體，主要是李仲生（1912-1984）的畫室學生組成。黃潤色出身彰化仕紳家族，1960年於彰化拜師李仲生，在其前衛藝術觀念的引導下，在繪畫中感受到真正的自由。早期作品畫面陰鬱混沌，50歲陪同長子赴日求學，自己也申請進入東京設計學院學習染織，從此創作跳脫以往，如：〈作品Y〉（1985）畫中細胞增生，充滿生命動能和明亮色彩，映現蛻變的活力。
女性藝術家的創作軌跡，多和成長與生命經驗緊密連結，本展另邀請藝術家郭俞平融合幾位藝術家的生命故事，撰寫成自傳體小說《珍藏盒》，以文字的形式拓展女性藝術的想像空間。
蕭珮宜的畫作〈人間樂園〉（2022-2023）以擬人法表現情愛虛妄與權力鬥爭。（北美館提供）
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