【藝週末．藝週推薦展覽】未知的奇點，未來的考古學─北美館「未來身體：超自然雕塑」展覽

莫里斯．畢凱伊作品〈末日過後少女出走〉。

文．攝影／林昱晴

想像著不斷學習與演化的智能生物、基因工程研發的另類生命體，它們占據了世界，塑造著世界，將科幻現象化為人造景觀，完全顛覆你我所認知的一切。有什麼比美術館內的科幻劇場，更令人驚奇？台北市立美術館舉辦的「未來身體：超自然雕塑」展覽（即日起至6月4日），如同一場對於人類文明的未來考古學，展覽中所見的一切，因為藝術與科技的辨證，而成就了智識與美學思考的多元化。

希臘神話中的「奇美拉」（Chimera）是獅首、蛇尾、背上長著羊頭的噴火怪獸，斯芬克斯（Sphinx）則是長著鷹翅的獅身人面像。中國先秦時期的古籍《山海經》裡載錄了五方山川、四海邦國的怪物，這部博物之書對於精怪奇物的複合生物形象描繪，源自人類對於大自然神祕未知力量的驚懼與想像。19世紀瑪麗．雪萊的科幻小說經典《科學怪人》，透過虛構的生命實驗，探詢科學在現代生活中所扮演的角色。當派翠西亞．佩奇尼尼（Patricia Piccinini）在2003年以「我們都是一家人」系列作品代表澳洲參加威尼斯雙年展，讓人們對基因工程、人工智慧技術改變生命形態的可能性大感震驚。科技的發展最終將人類帶入未知的境地，為人類的存在帶來巨大的不確定性，生物科技與生命科學的進展、生態危機對於「人類世」（Anthropocene）造成的衝擊，重新定義了你我對於生命、社群與萬物的認知。

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派翠西亞．佩奇尼尼作品〈輓歌〉。

交融人類與環境互動關係的超未來

當人類文明向著高科技與數位時代全速進化，AR、VR、XR的虛擬實境技術與AI似乎成為智識審美的當代顯學。在一切都朝向虛擬化、數位化之後，超寫實雕塑的表現手法，在21世紀具有怎樣的時代意義？理想的身體也是一種社會建構，藝術家又將如何應對，並透過創作做出詮釋？由德國圖賓根藝術館館長妮可．芙麗茲（Nicole Fritz）與德國圖賓根文化交流協會麥斯米蘭．雷澤（Maximilian Letze）共同策畫的「未來身體：超自然雕塑」展覽，便以科技藝術與雕塑創作共構的角度，聚焦於藝術家如何呈現並開展人與環境的互動關係，思考一個超未來的可能性。

策展人妮可．芙麗茲表示，「未來身體：超自然雕塑」策展的原點在於探討「人類世」的當代思想如何反映在雕塑藝術當中，「藝術家們將身體視為觀察、體驗世界的介面，透過創作說明人們對於自然和動物的意識產生了怎樣的變化。展出的作品傳達了更為廣義的雕塑概念，同時突顯了現代人們對於環境更加廣泛的認識與了解。」當她規畫展出作品時，安妮．卡寧（Anne Carnein）是第一個入列的藝術家，「卡寧運用二手衣物和紗線創作逼真的植物雕塑，試圖恢復身體與環境之間的雙向共鳴，是人類期待與自然建立全新同情共感關係的最佳代言。」 喬治亞藝術家安德羅．韋庫亞（Andro Wekua）的裝置作品〈無題〉是雌雄同體的半機械人，它代表著「後人類」時代如噩夢相隨的未知形象，「究竟是半機械人會變得更像我們，還是我們會變得更像它們？」引人進一步思考人類與機器在未來如何共存的問題。

安妮．卡寧運用二手衣物和紗線創作的植物雕塑。安德羅．韋庫亞的裝置作品〈無題〉。

麥斯米蘭．雷澤是「全球研究」領域的學者，他認為派翠西亞．佩奇尼尼的作品具體對應著展覽的核心意識，「長期以來，佩奇尼尼持續透過創作處理介於『人類中心主義』和『生態中心主義』之間的衝突。她以極為全面且細緻入微的切入角度，探討兩者之間的連結與複雜性。」當我們用科學的理性展開對於世界的探索時，或許會不小心在藝術的感性當中迷失了線索，佩奇尼尼的作品喚醒人們對於生物科技的關注，引人深思「基因轉殖技術」對於生物倫理學以及未來世界人造化的憂慮。

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連結現在與未來的概念索引

「未來身體：超自然雕塑」以企圖精確複製人體的超寫實雕塑美學基調，透過不同於主流科學論述的深度思索，探討科技與藝術遇合的另類可能性。本次展覽展出23位（組）國際藝術家、共33件超寫實及寫實雕塑作品，藉由藝術語彙探討人類創造、破壞與重塑人造及自然世界的能力，以及「後人類」時代下的人體未來形貌。共分為「混種人」、「後自然」、「藝術家4.0」、「科技 人類 變體」4大主題，分別探討混種生命體、基因轉殖生物、人與環境及機器之間的關係、科技對生活的影響以及當中隱含的欲望與倫理議題等。參展的藝術家們化身為預言家，也像是科技末日的見證者，從末日預言迎向新世紀寓言，展出作品散發的不安和神祕意象，暗示著今日世界發展陷入的困境，步入展場，宛如我們在未來凝視著自己當下時空的文明，眼前所見一切成為連結現在與未來的概念索引。

山姆．詹克斯作品〈犬頭〉。

展出作品導覽

托馬斯．格倫菲爾作品〈錯合（天鵝／海狸鼠／驢子）〉是以動物標本製成的3D拼貼，引人聯想起古代神話中的奇妙生物，也扣合著與生命基因操控相關的批判性討論；法比安．梅勒的雕塑〈蝴蝶〉正是他的自畫像，蝴蝶停留在他的身上，雕塑的主角深刻地感受著人類內在與動物之間的聯繫；派翠西亞．佩奇尼尼的〈幼苗〉刻畫著男子肩上扛著樹精形象的兒童，闡明了植物和人類都生活在彼此相互作用的複雜網絡中，並突顯了生長和養育的議題；山姆．詹克斯認為人類是深受本能和直覺驅使的生物，卻需委身在文明化的假象中，他透過〈犬頭〉詮釋了人類與動物軀體擁有共通性的演化事實；人類與真菌共享50%的DNA，激發了佩奇尼尼透過〈鞋形（編髮）〉將生長狀態化作繁殖力隱喻，藉此頌揚生命多樣性之美；受物種滅絕威脅的啟發，佩奇尼尼的〈輓歌〉哀悼人類對生物命運的誤解和對生命的低估；安娜．烏登伯格將扭曲的女性雕塑與行李箱融為一體所創作的〈野蠻人#7（零重力）〉，誇張變形的人物姿態，呼應著社群媒體上的網紅們對於「理想形象」的荒誕追求；莫里斯．畢凱伊的〈末日過後少女出走〉運用舊電腦鍵盤和其他現成物品打造人形雕塑，象徵著現實與虛擬存在的融合，同時揭發了第3次工業革命對非洲國家的影響。

派翠西亞．佩奇尼尼作品〈幼苗〉。托馬斯．格倫菲爾作品〈錯合（天鵝／海狸鼠／驢子）〉。法比安．梅勒的雕塑〈蝴蝶〉。]安娜．烏登伯格作品〈野蠻人#7（零重力）〉。

與策展人對話：人的創造力終究無法被取代

2018年，德國圖賓根藝術館舉辦聚焦於超寫實雕塑的「栩栩如生」（Alomost Alive）展覽，為了延續藝術創作中對於身體形象雕塑的探討，以及關於未來性的相關思考，催生了「未來身體：超自然雕塑」展覽的成形。圖賓根藝術館館長妮可．芙麗茲特別與我們分享策展執行過程所面對的挑戰：「當我們構思『未來身體：超自然雕塑』時，無法想像病毒會讓世界陷入停頓的狀態。在我發展策展論述的過程中，以前無法想像的事情已經變成了現實。」共同策展人麥斯米蘭．雷澤表示，疫情確實對策展的願景造成了深刻的衝擊，但展覽所設定的觀點與議題，在COVID-19蔓延的時代背景下，卻能由藝術的視角，積極正向地引導大眾思考藝術如何跨越現實與想像，從中檢視關於文明發展的本質。

德國圖賓根文化交流協會麥斯米蘭．雷澤。（Wernisaz wystawy攝影）

妮可．芙麗茲進一步指出，疫情促使人們更加有意識地思考他們使用時間的方式，同時也加速了數位化的發展，「藝術體系目前正處於劇變之中──我們注意到傳統的藝術生產模式和技術，明天可能就已經過時了。令人不安的是，50年後繪畫是否依然存在？它的境況是否會像我們今日看待歌劇所代表的時代意義？這目前很難預測，但也許會產生相反的作用，讓我們更自覺地意識到自己身為人類的特質，也就是原創力、深富情感和同理心的能力。藝術是所有這些能力的總和，藉由觀看美術館展出的作品，我們可以訓練這些感性和直覺的能力──這就是藝術和藝術機構的潛力。」根據目前的發展態勢來看，麥斯米蘭．雷澤認為人工智慧是藝術家創作時強大的輔助工具，他相信它將會改變藝術實踐的過程與作品的形態，但隨著人工智慧在創作表現方面的高度發展，「人」的因素將變得更加重要，人類的創造力是無法被取代的事實。

德國圖賓根藝術館館長妮可．芙麗茲。（Wynrich Zlomke攝影）

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